Red de Cine - Colombia

Por Oswaldo Osorio
Al cine muy pocas veces se le da bien contar historias sobre héroes o íconos de la historia, más aún si hay un gran presupuesto y un director de Hollywood de por medio. Por lo general se cae en reduccionismos idealistas o lo resuelven todo con una serie de anécdotas. Pero esta película es una afortunada excepción. La historia de Ernesto “Che” Guevara (desde la noche que conoció a Fidel Castro hasta el día de su muerte) es tratada por Steven Soderbergh con honestidad y audacia. La honestidad está en su aproximación sin artificios a esta figura histórica, y la audacia en plantear un relato sin concesiones comerciales, estar hablada en español y su larga duración son las principales pruebas de ello.

A pesar de sus prometedores inicios, Steven Soderbergh parecía que se había acomodado en la última década haciendo complacientes piezas llenas de estrellas y vacías de sentido, como la saga de ‘La gran estafa’, por ejemplo. Sin embargo, sorprende la temeridad y seriedad con que planteó este proyecto de largo aliento: Una película de casi cuatro horas y media que se vio obligado a dividir en dos para su distribución: ‘Che, el argentino’ y ‘La muerte del Che’.
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Por Oswaldo Osorio
Otra película sobre la guerra civil española. Son tantas que se pierde la cuenta, y eso que al país sólo ha llegado una pequeña muestra. Esta insistencia en el tema por parte del cine español, como ocurre con todas las cinematografías nacionales, se debe a esa función del cine de reflejar y reflexionar sobre la realidad, así como a la necesidad que tiene una sociedad de exorcizar los demonios de su historia para conocerse mejor. La cuestión aquí es si a partir de una historia mil veces contada se dice algo nuevo, en esta cinta la respuesta es afirmativa solo parcialmente.

Lo primero que llama la atención es la forma en que está estructurada esta historia. Normalmente el cine plantea una trama central y un protagonista principal, pero aquí lo que se ve es algo sí como tres capítulos, cada uno con una trama distinta y con cambio de protagonistas. Esto trae unas consecuencias negativas para el desarrollo argumental y dramático del relato, pues se antoja equívoco e inconsistente, y por eso por momentos es difícil identificarse con los cambiantes protagonistas y mantener el interés en la fragmentada trama.
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Por Oswaldo Osorio
El cine es ilusión, esa es su esencia en todo sentido: son imágenes fijas que percibimos con la ilusión de movimiento, son luces y sombras proyectadas en una pantalla que crean la ilusión de realidad, y pueden ser lugares y personajes inexistentes y fantásticos que materializan universos ilusorios. Esta gran ilusión es posible gracias a los medios tecnológicos que, desde hace 115 años, ha ido desarrollando el séptimo arte. No obstante, si bien ahora todo está permitido para ser creado, solo existe una condición: la verosimilitud, y eso es justamente lo que está perdiendo el actual cine de acción.

Si bien esta reflexión surge a propósito de la última película de Tom Cruise y Cameron Díaz, ‘Encuentro explosivo’ (James Mangold, 2010), se trata de una tendencia del cine de acción de los últimos años. Por ejemplo, que el petiso pero fornido señor Cruise, apenas con un leve giro, salte del techo de un automóvil, a través de la estrecha ventanilla, al asiento delantero, o que en una moto a gran velocidad tome a su pasajera y, con un movimiento tan veloz como un parpadeo, la siente en frente suyo, son dos acciones que, efectivamente, ocurren ante los ojos del espectador, pero que también todos, de inmediato, tienen la certeza de que tales cosas son físicamente imposibles, que sutileza o credibilidad de la ilusión se ha convertido en una descarada mentira.
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Por Oswaldo Osorio
Se dice que es mejor ser amado, aún sin ser correspondido, que nunca haber amado. Y es que el amor es el sentimiento definitivo, para bien o para mal. Leonard, el protagonista de esta película, es víctima del amor, y consecuentemente de la vida. El amor para él es una debilidad, por lo serio que se lo toma, por lo hondo que lo afecta, y en esta historia, a falta de uno, tiene dos amores, cada uno con sus razones y sus adversidades, lo cual es una penosa situación para alguien que es tan vulnerable ante este sentimiento y ante la vida misma.

Pero antes de seguir hablando de este atribulado personaje, es necesario hacer un paréntesis para referirse a quien lo interpreta, un sólido Joaquín Phoenix que lleva sobre sí todo el peso dramático del relato y que lo hace con la consistencia que siempre se le ha conocido y que lo han convertido en uno de los actores más interesantes de Hollywood. Esto cobra aún más significado porque se supone que esta es su última película, después de la cual ha decidido dedicarse a la música. De manera que supo despedirse con una interpretación que culminó con contundencia su gran carrera.
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La experta de cine de La W (que un amigo crítico dijo que sabía tanto de cine como él de fútbol) dijo que ‘El Origen’ era, desde ya, una firme aspirante a los premios Oscar y que la trama era tan compleja que para poder seguirla había que ir al menos un par de veces a verla. Y yo la verdad, aunque entiendo el descreste, porque, hay que decirlo, está hecha para eso, no logré encontrarle algo de sabor a esta hamburguesa cinematográfica disfrazada de alta cocina.

A punta de los cambios sucesivos de los planos de realidad, con una buena dosis de oscuridad en las motivaciones de los personajes y con un desplante arrollador de efectos y creatividad visual, la película consigue que a la salida del teatro se escuchen no pocas voces de asombro acerca de lo intrincado de la trama, de la dificultad de las tomas, de la creatividad y realismo de algunas escenas y de algunos detalles como el ‘Je ne regrette rien’ que enlaza a ‘El origen’ con otras producciones.
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Por Oswaldo Osorio
Así como Eric Hobsbawm afirma que el siglo XX terminó con la caída del muro de Berlín y no con la llegada del año dos mil, se podría decir que para el cine colombiano el tercer milenio comenzó con el estreno de ‘Rodrigo D’. Porque la historia es un asunto de procesos, no de fechas. Aunque es preciso aclarar que no es que el corte tenga que hacerse necesariamente con esta película de Víctor Gaviria, pero sí debe hacerse en la transición entre las décadas del ochenta y noventa, y el estreno, en 1990, de tan significativa película, es un apropiado referente como punto de partida de lo que a continuación se propondrá como el fin de una era y el principio de otra en el cine nacional.

La vieja era fue la de Focine (la entidad gubernamental encargada del fomento al cine), con todas sus corruptelas y clientelismos, con el imperdonable desperdicio de recursos y talento haciendo películas que el público jamás vería, ya por negligencia en el proceso de promoción y distribución o por la censura, aplicada por la misma entidad o con su aprobación. Fue también el periodo de la conjunción de una prometedora generación de directores que, sin embargo, habían obtenido su formación cinematográfica empíricamente, mediante el costoso método de ensayo y error.
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Por Oswaldo Osorio
Todas las historias ya han sido contadas, eso se sabe. También se sabe que la industria del cine depende en buena medida de fórmulas y esquemas preestablecidos. Pero otra cosa es que el cine se copie a sí mismo, o a la televisión, poniendo en evidencia una probable crisis en el séptimo arte actual, al menos el que pretende ser comercial. Esto a propósito de tres películas que coincidieron en la cartelera reciente y que, por tener en común el hecho de ser productos reencauchados de la década del ochenta, es posible hacer algunas reflexiones sobre el asunto. Estas películas son ‘Furia de titanes’, ‘Karate Kid’ y ‘Los Magníficos’.

De la primera, ‘Furia de titanes’, la razón para hacer el remake de la versión de Desmond Davis (1981) es los grandes avances logrados en los últimos años con la imagen digital, con la cual ya es posible crear cualquier cosa, desde espacios y objetos hasta personajes y criaturas. De manera que ya era posible perfeccionar los precarios efectos que tenía la versión original. Sin embargo, por este mismo motivo, la nueva versión confunde sus objetivos, y en lugar de concentrarse en construir sólidamente el relato mitológico, casi todo el énfasis lo pone en la espectacularidad del universo creado a partir de los efectos especiales y la imagen digital.
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La película original de ‘Karate Kid’ en 1984 cambió la vida de la gran mayoría de los involucrados en su creación. El actor Ralph Macchio quien interpretó a Daniel LaRusso se convirtió en uno de los actores juveniles más importantes de los años ochenta. Noriyuki ‘Pat’ Morita con su papel del señor Miyagi, se inmortalizó en el cine de Hollywood con este rol. La actriz Elisabeth Shue demostró que además de su belleza era una actriz con mucho potencial actoral, tanto así que ganó el premio Oscar en 1995.

Su director John G. Advilsen después de tres grandes fracasos con ‘La fórmula’, ‘Vecinos’ y ‘Una noche en el cielo’ levantó nuevamente su carrera y recuperó su fama. Y el guionista Robert Kramer consolidó su carrera como escritor durante esa década. Todo esto lo lograron porque ‘The Karate kid’ se convirtió en un notable ícono de la cultura popular de mediados de los ochentas, con características innegables como un sólido guión, una acertada dirección y un grupo de buenos actores.
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Por Oswaldo Osorio
De muy pocas películas se puede decir que han significado una revolución en la historia del cine. ‘Toy Story’ (John Lasseter, 1995) es una de ellas, por ser la primera hecha enteramente con imagen digital, es decir, generada por computador y sin usar cámaras. Pero este hito técnico únicamente representa la mitad de su importancia, porque pudo ser sólo una primera pero olvidable película hecha en computador, sin embargo, ella también inauguró una nueva era de un cine infantil que fue creado con la inteligencia y la complejidad necesaria para cautivar también al público adulto.

Y si bien desde entonces esa técnica y tipo de historias fue lo que se impuso como el estándar del cine infantil (confinando la animación en dos dimensiones y los relatos simples e inocentes a la televisión), lo que ha conseguido esta película pionera, primero con su continuación, en 1999, y ahora con esta tercera entrega, no ha sido igualado por ninguna de su tipo. Sobre todo esta última se ve beneficiada por el completo conocimiento que el espectador tenía de los personajes, el universo y la lógica de la saga. Por eso, con ese terreno ya avanzado, ‘Toy story 3’ pudo ocuparse de profundizar más en el sentido de la trama y en sus personajes.
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Las trilogías en el cine obedecen en la gran mayoría de oportunidades a dos intenciones para llevar a cabo su continuación: contar una extensa historia que no podía hacerse en una sola obra o contar las nuevas aventuras de unos personajes que causaron simpatía para el público en capítulos anteriores.

La primera posibilidad da pie para la exploración de personajes con sus cosmovisiones, ideales, contradicciones y pasiones. En la segunda posibilidad, los personajes enfrentan nuevos retos que alteran su seriedad inicial y convierte en relativos, varios de sus puntos de vista debido a los retos de las nuevas condiciones.
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